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La historia de la música country
Cap.5: La Musica Western y los Cowboys Cantores
por Leo
Enry
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coleccionable para imprimir]
[Ver otras historias de country de Raúl
Tejeiro , de Gustavo Laurino]
A mediados de los años treinta a los sesenta llegaron a su
apogeo los vaqueros que cantaban, los cuales ofrecieron una imagen
de la vida que cautivó a muchos jóvenes. Millares
de niños de aquellos tiempos dijeron en alguna ocasión.
"Quiero ser Cowboys". Y fueron los cowboys cantores de
las películas quienes provocaron ese deseo.
El cowboy cantor era más importante que el personaje representado
en las películas: era un símbolo de la nación.
Simbolizaba a un héroe que siempre hacía las cosas
en beneficio de la gente. Ya en los años cincuenta el cowboy
cantor constituía una imagen idílica para una nación
que se identificaba con los héroes, especialmente con los
del Oeste.
El cowboy cantor como símbolo del antiguo Oeste servía
también para recordar el concepto de expansión occidental
que siempre ha sido esencial en la identidad norteamericana. El
Viejo Oeste era el lugar donde toda el mundo podía hacerse
rico, donde la gente iba para empezar una nueva vida y donde surgían
las leyendas. El cowboy cantor era una figura mítica para
muchos, al tiempo que confirmaba el sentimiento norteamericano de
superioridad sobre el resto del mundo. El cowboy cantor fue considerado
como un elemento de patriotismo norteamericano.
Gene Autry
Orvon "Gene" Autry nació en Tioga, Texas, en 1907.
Su infancia transcurrió en Oklahoma, pero regresó
a Tioga para cursar estudios secundarios, que concluiría
en 1925. Entonces consiguió trabajo como telegrafista de
ferrocarril en Sepulpa, Oklaghoma, trabajo que llegaría ser
el trampolín de su fenomenal carrera.
Gene Autry había aprendido algunas canciones en Oklahoma
y Texas, pero no se le había ocurrido la posibilidad de ganarse
la vida con la música. Sin embargo, cuando empezó
a trabajar como telegrafista, descubrió que tenía
mucho tiempo libre entre un telegrama y otro. Así que se
compró una guitarra y empezó a cantar y componer algunas
canciones propias. Se cuenta que un día estaba cantando y
tocando la guitarra cuando se presentó una persona para enviar
un telegrama. Tras rellenar el impreso y firmarlo, le dijo a Gene
Autry que debería cantar en la radio. El cliente era Will
Rogers, que ya era una gran estrella.
Autry siguió el consejo y, poco después, consiguió
que la emisora KVOO le contratara como "El Cowboy cantor de
Oklahoma"(nombre que perduró al margen del cual fuese
el estado en el que residía). Casi de la noche a la mañana
se hizo popular en Oklahoma, y pronto le contrataron para grabar
varios discos con canciones de cowboys. En 1929 le contrató
la American Record Company, y fue a Nueva York para grabar seis
canciones, una de las cuales fue "That Silver-Haired Daddy
of Mine", grabación original que se usaba con mucha
frecuencia en las películas, y del disco se vendieron más
de cinco millones de ejemplares. En 1930 se marchó de Oklahoma
para empezar a trabajar en la emisora WLS de Chicago, donde se convirtió
en uno de los astros más populares del medio oeste. Permaneció
allí hasta 1934, y su carrera se amplió gracias a
sus actuaciones por la radio y sus grabaciones.
En 1934 se trasladó a Hollywood parta hacer un pequeño
papel en la película In Old Santa Fe, iniciando así
su carrera cinematográfica, que le convertiría en
uno de los astros del cine más importantes en los años
treinta y cuarenta. Intervino en más de cien películas
que se vieron por todo el mundo, y fue un verdadero astro internacional
con una fama basada en su interpretación de canciones de
cowboys.
Entre 1942 y 1945 sirvió en el ejército del aire,
como piloto de un avión de transporte de suministros a la
India y el Norte de Africa. Su servicio voluntario, un acto de patriotismo,
fue importante para su carrera, pero también fue un gesto
muy sincero. Gene Autry era verosímil como héroe porque
su persona tenía una cualidad heroica. Tras servir en el
ejército, regresó a Hollywood y empezó a hacer
películas, volviendo a "Melody Ranch", un espectáculo
que había iniciado en 1939 y que luego se emitiría
por televisión. Este espectáculo iba a durar diecisiete
años, y gracias a él, Autry amplió su público
y reforzó la comercialización de la música
country. Durante esta época, Sears empezó a distribuir
la guitarra "Melody Ranch Roundup" de Gene Autry, que
influyó en muchos jóvenes, incitándoles a aprender
a tocar la guitarra.
Gene Autry grabó para Okeh, Vocalion, Victor, Gennet, ARC
Group y Conqueror hasta fines de los años cuarenta, cuando
firmó un contrato con la Columbia. Aunque se le conocía
principalmente por las canciones de cowboys, también tuvo
éxitos con el crossover, como las melodías navideñas
"Here Comes Santa Claus", en 1948, "Rudolph the Red-Nosed
Reindeer", en 1949, y el éxito popular "Buttons
and Bows", de 1948. Durante los años cincuenta se dedicó
a otras actividades, aunque siguió actuando y grabando. En
los años sesenta consiguió el éxito en muchas
empresas comerciales: fue el primer músico que adquirió
un equipo de béisbol (Los Angeles de California) y era propietario
de emisoras de radio, hoteles, películas de televisión,
entre otras cosas. A fines de los cincuenta ya era un hombre rico.
Su caballo , "Champion", reforzaba la imagen fílmica
de Gene Autry: el caballo del héroe era una parte esencial
del simbolismo del cowboy. Algunas de las películas que protagonizó
fueron: Boots and Saddles (1937), Under Western Stars (1938), Range
War (1946), Sioux City Sue (1947), Guns and Saddles (1949), y Goldtown
Ghost Riders (1953).
La importancia musical de Autry es aún más impresionante
que la historia de su vida. Comenzó a fines de los años
veinte como imitador de Jimmie Rodgers, pero pasó gradualmente
a un estilo propio. Cuando se estableció en Chicago ya había
conseguido un estilo interpretativo muy distinto del de Rodgers:
su manera de cantar era suave y de voz plena, mientras que Rodgers
siempre cantaba con la garganta tensa y un sonido relativamente
apagado. Además, a medida que Austry empezó a desarrollar
su propio estilo, el contenido de sus letras fue variando. Cantaba
piezas optimistas acerca del oeste norteamericano, hablando a la
gente de las cosas que querían escuchar.
Probablemente la característica más importante de
su estilo es que era optimista y procuraba al público una
sensación de bienestar. Algunos dicen que fue el primer músico
crossover de verdadero éxito, y que atraía a públicos
que quizá no habían escuchado la música hillbilly
pura. También fue importante porque su carrera tuvo muchas
facetas. Hizo todo lo que había hecho Jimmie Rodgers, pero
con un planteamiento mucho más amplio y un público
más vasto. Gene Autry lo tuvo todo: club de seguidores, películas,
discos de venta millonaria durante más de cuatro décadas,
apariciones en directo, en incluso una población tomó
su nombre (Gene Autry, Oklahoma). Desarrolló una estrategia
para el marketing que sirvió de modelo para otros que trataban
de imitarle, y fueron muchos sus imitadores.
Múltiples cantantes country después de él trataron
de imitarle en diversos aspectos. Estableció la moda de cantar
con voz clara, sin rastros de acento del oeste o sureño.-
También popularizó la guitarra a través de
sus películas. En muchas de éstas, todas bastante
convencionales, cantaba una canción y luego sucedía
algo malo. Entonces dejaba la guitarra, acudía a arreglar
la situación, y seguidamente regresaba y seguía de
nuevo con la guitarra como si nada hubiera ocurrido. Este era uno
de los grandes atractivos de las películas de Gene Autry.
Sin embargo, la principal importancia de Gene para la música
country es que la hizo respetable. Otros músicos, entre aquellos
primeros gigantes del country, eran personajes retraídos
que parecían siempre abandonados por la suerte; en cambio,
Gene Autry fue un héroe real que tenía una personalidad
muy recia. Cuando cantaba, lo hacía con el corazón.
Evidentemente era un ganador, pero muchos escritores country no
le conceden el reconocimiento que merece, un ejemplo de esta renuencia
es el hecho de que Tex Ritter fue elegido 5 años antes que
Gene para el Country Hall Of Fame.
Gene Autry hizo que mucha gente se interesara por la música
country porque era una persona muy dinámica, en sus grabaciones
y en sus películas; popularizó la guitarra a través
de Sears y proporcionó un modelo para la comercialización
de un músico country; cautivó los corazones y las
mentes de muchos niños que querían ser como el hombre
del sombrero blanco.
Roy Rogers
Leonard Franklin Slye nació en Cincinnati, Ohio, en 1912.
Hijo de un zapatero, vivió siete años en Cincinnati
y luego se trasladó a una granja cerca de Portsmouth, Ohio.
Su padre trabajaba en la ciudad, mientras su madre y sus tres hermanas
trabajaban en la granja. Aunque vivir en la granja al principio
no pareció algo importante, eso daría a Leonard (que
luego adoptaría el nombre de Roy Rogers) la oportunidad de
aprender a montar a caballo. En su juventud también le cautivaron
las películas de cowboys de Buck Jones y Tom Mix, que veía
en el pueblo los sábados por la tarde, sin imaginar que finalmente
llegaría a ser un astro de la pantalla como ellos.
Quiso ser dentista, pero la economía familiar no le permitió
estudiar una carrera. Cuando la familia se trasladó de nuevo
a Cincinnati, Roy fue a trabajar con su padre en la fábrica
de zapatos. Cuando Roy era adolescente, la familia viajó
a California para visitar a una de las hermanas que se había
casado recientemente. Aquel viaje fue decisivo, porque Roy se convenció
de que California era el lugar donde debería vivir.
Compró una guitarra y aprendió a tocar y cantar. Hacia
1928 ya estaba lo bastante preparado para cantar e intervenir en
la cuadrilla cuando le requerían en los bailes locales. En
1930 se trasladó a California con un familiar, realizando
así el sueño de su primer viaje. Al principio desempeñó
diversos trabajos, como recoger melocotones y conducir un camión.
Pero no dejaba de cantar en espera de una oportunidad.
El primer grupo con el que se unió se llamaba Rocky Mountaineers,
pero duró unos dos meses. Entonces organizó el International
Cowboys, pero este grupo también fracasó. A fines
de 1933 conoció a otros dos intérpretes, Tim Spencer
y Bob Nolan, con quienes formó los Sons of the Pioneers,
grupo que triunfó de un modo que no lo habían soñado.
Entre 1934 y 1937, los Sons of the Pioneers se convirtieron en un
grupo musical muy popular, cuyo sonido era suave y relajado, y atraía
a un público mucho más diverso que a los estrictos
seguidores de la música country. Pero probablemente el rasgo
más importante del grupo fue su producción continua
de melodías country, composiciones que pasarían a
formar parte del repertorio habitual. Buenos ejemplos son "Tumbling
Tumbleweeds" y "Cool Water", ambas de Bob Nolan.
La música de los Sons of the Pioneers es muy interesante,
en especial la suavidad de su sonido, aunque sea muy irregular.
Su música estaba mucho más próxima a la fábrica
country de o que percibían muchos fans, música como
la de Jimmie Rodgers en su proximidad a las raíces folk.
Aunque las letras difieran, el estilo subyacente es similar. Sin
embargo, la culminación de su creatividad radica en sus originales
armonías vocales. Ai A.P. Carter fue un genio como experto
instrumentista de la familia Carter, Tim Spencer fue el genio de
los Sons of the Pioneers. De hecho. La mayor contribución
de este grupo a la música popular norteamericana fue el arreglo
vocal.
Confiando en su experiencia como cantante que actuaba en público
y grababa discos, Roy Royers se sometió en 1937 a una prueba
para una película, Under Western Skies, y tuvo la suerte
de conseguir el papel principal. Con su caballo blanco, Trigger,
y Dale Evans, la actriz protagonista, con la que se casaría
en 1947, interpretó más de cien películas.
Al igual que Gene Autry, Roy Rogers se dedicó a los negocios
cuando comenzó el declive de su carrera cinematográfica.
Haciendo sagaces inversiones, se trasladó con Dale Evans
a Apple Valley, en California, bastante cerca del museo Roy Rogers,
donde puede verse un Trigger disecado. Dale Evans fue una constante
fuente de inspiración para su marido, y su popularidad rivalizó
con la de él.
Roy Rogers fue en muchos aspectos similar a Gene Autry, aunque su
estilo vocal era diferente. Gene Autry era ante todo un solista,
mientras que Roy Rogers era principalmente un artista de grupo.
Roy Rogers no tenía la misma calidad de voz que Gene Autry,
pero era expresiva y gustaba. Sin embargo, fue el sonido armónica
de los Sons of the Pioneers, con su perfección asombrosa,
lo que favoreció la comercialización de Roy Rogers
como artista cinematográfico. Eran comparables a los Hi-Lo´
de los años treinta y cuarenta, experimentadores originales
que utilizaban canciones de cowboys como material básico.
Naturalmente, el grupo contaba con buenos compositores, y su continua
producción de canciones de éxito les otorgó
una popularidad duradera. Los Sons of the Pioneers no dejaron de
actuar cuando Roy Rogers abandonó el grupo; le apoyaron en
muchas de sus películas, pero también progresaron
por su cuenta, llegando a contar con seis miembros en los años
cuarenta. También aparecieron en The Roy Rogers Show, una
serie de televisión que duró de 1952 a 1954.
Aunque en imagen fué similar a Gene Autry, el personaje de
Roy Rogers en la pantalla era algo diferente. Rogers era más
pendenciero; de baja estatura, a veces parecía un niño
travieso cuando se enzarzaba en una pelea. También su forma
de cantar era diferente. Aunque muy suave, tenía una calidad
más quejumbrosa que la de Autry. La principal virtud de Rogers
radicaba en su manera de relacionarse con los demás. Con
frecuencia era el protagonista, pero su modo de trabajar con los
otros, la relación con su caballo y con su chica, era lo
que destacaba en sus películas.
Tex Ritter
Maurice Woodward Ritter (1906-1974) nació en Panola, County,
Texas, en un rancho que pertenecía a su familia desde 1830.
Allí cultivaban algodón, maíz, cacahuetes y
criaban ganado. En este ambiente creció "Tex" (como
le llamarían más adelante), aprendiendo las labores
propias del rancho, arrojando el lazo y cantando. En cierto modo,
Tex Ritter fue un cowboys más auténtico que los mencionados
hasta ahora.
En 1924 se matriculó en la universidad de Texas para estudiar
derecho. También mostró un interés constante
por el folklore tejano. Cuando todavía era estudiante, confeccionó
un programa de canciones y conferencias que ofrecía a quienes
estuviesen interesados. Su espectáculo, al que llamó
"The Texax Cowboys and His Songs", se hizo muy popular,
y llegó a salir de gira con él. Se estableció
en Chicago y durante algún tiempo acudió a la universidad
Northwestern. Luego se trasladó a Nueva York, donde consiguió
trabajo como disc jockey en una emisora de radio. Sus primeros patronos
potenciales creyeron que el fuerte acento tejano de Ritter sería
un obstáculo, pero en realidad contribuyó a su éxito
fulgurante. Como letrista e intérprete a través de
la radio en los años treinta llegó a ser uno de los
profesionales más importantes en ese medio. Tuvo una participación
esencial en la serie radiofónica "Lone Ranger"
original, y actuó en "Death Valley Days", "Tex
Ritter`s Camp Fire" y "Cowboy Tom`s Round Up".
En Nueva York intervino en la obra teatral Green Grow the Lilacs,
que más tarde se transformaría en el musical Oklahoma.
Fue uno de los primeros intérpretes de la versión
neoyorquina del WHN Barn Dance. Antes que se trasladara a Hollywood,
en 1936, para rodar su primera película, Song of the Gringo,
ya se había convertido en un astro muy importante. Tras esa
película, trabajó activamente en producciones del
oeste, y llegó a participar en más de cincuenta películas
en los años cuarenta y cincuenta. También continuó
haciendo giras extensas. Cabe achacar su enorme éxito al
magnetismo personal que poseía.
Algunos de sus éxitos discográficos fueron: "Jingle,
jangle, jingle" (1942), "Jealous Heart" (1944), "There`s
a New Moon over My Shoulder" (1944), y "I Dreamed of a
Hillbilly Heaven" (1961). La mayor parte de estas melodías,
sobre todo la primera y la última, fueron éxitos crossover.
En los años cincuenta y sesenta apareció frecuentemente
en la televisión, y en 1965 se trasladó a Nashville,
donde formó parte del Grand Ole Opry. Siguió realizando
giras, trabajó para varias organizaciones discográficas,
apoyó la música country y fue un miembro del Country
Hall of Fame hasta que murió en 1974 a causa de un ataque
al corazón. El Country Hall of Fame reconoció a Ritter
cinco años antes de que reconociera al modelo de los cowboys
cantores Gene Autry; esto se debió probablemente a su compromiso
con la música country y a sus actividades en la industria.
A Tex Ritter se le identificó más con el mainstream
country (ver definición al final del capítulo) que
a Gene Autry y a Roy Rogers. El apoyó la música country
y se trasladó a Nashville en los años sesenta, en
cambio, Gene Autry y Roy Rogers permanecieron en California. Su
estilo y su acento no ocultaron su procedencia tejana, mientras
que los otros cantaban sin acento perceptible. Pero probablemente
la razón más importante por la que se le apreciaba
es que era una persona cautivadora, con carisma, que sabía
utilizar de diversas maneras: para actuar ante el público
y para apoyar la industria de la música country. Su participación
en Nashville, hacia el final de su vida, confirmó la impresión
inicial de que Tex Ritter era un cowboy cantor en cuyo fondo habitaba
un músico country. Mainstream country: se refiere a una música
que es claramente identificable como country, interpretada en general
por astros del country bien conocidos, pero a menudo con algún
tipo de fondo instrumental ampliado (que difiere de los fondos del
sonido Nashville en los años sesenta) o un cambio sutil de
las letras.
El Western Swing
La mayoría de los expertos en música country, incluida
la Country Musica Association, están de acuerdo en que el
wester swing es una rama importante e influyente de esta música.
En esta sección la analizaremos y procuraremos mostrar a
qué se debe su importancia.
El western swing es, ante todo, música del oeste y, en segundo
lugar, música country. Constituye la primera fusión
importante de toda la música que comentamos. Aunque otros
estilos tuvieron popularidad como crossover, el western swing fue
una verdadera mezcal de música del oeste (con raíces
country y folk), música de string bands y música de
grandes formaciones jazzísticas. Algunos especialistas en
jazz han incluido en sus obras comentarios sobre Bob Wills, al tiempo
que las mayoría de los escritores sobre música country
incluyen a Wills y mencionan a Spade Cooley y Hank Thompson. Pero
el western swing no encaja convenientemente en ninguna categoría.
La mejor prueba de ello es que Bob Wills se sorprendió cuando
la Country Music Association le votó para el Country Hall
of Fame en 1968. Aunque Bob Wills no se consideraba un músico
country, afortunadamente aceptó el galardón.
El western swing se desarrolló a partir de la música
de violín, y sus intérpretes eran violinistas. No
obstante, la instrumentación fue mucho más allá
del grupo de cuerda tradicional. Sobre todo en los años treinta
y cuarenta. Mientras los violinistas sureños emprendían
con frecuencia interminables variaciones sobre melodías básicas,
los occidentales improvisaban o componían una música
basada en los cambios de acordes que presentaba una melodía
corriente. Así, la manera de tocar el violín propia
del oeste era más parecida al jazz, si bien la influencia
de la música sureña estaba claramente presente en
el western swing tocado con el violín. Casi por definición,
gran parte del western swing era más virtuoso que otros estilos
de música country. Una de las razones del interés
por él que prosigue en la actualidad, es su calidad técnica.
El western swing era fundamentalmente música bailable. Si
bien muchas piezas de música country están destinadas
al baile, el western swing es especialmente apropiado para esa función.
De carácter instrumental, también servía como
fondo apropiado para vocalistas, sobre todo para solistas principales
como Bing Crosby, quien cantó con el grupo de Bob Wills.
En los años treinta y cuarenta, los grupos de western swing
se convirtieron en big bands con la adición de saxofones,
trompetas y trombones, con lo cual estuvieron en una posición
excelente para competir con otras big bands de la época.
Los grupos de Bob Wills y Spade Cooley compitieron fácilmente
con los Dorsey Brothers, Glenn Miller y Freddy Martin.
Al igual que los cowboys cantores, los músicos de western
swing aparecían en las películas, y se les utilizaba
como músicos de fondo. Esto, naturalmente, era un ardid de
marketing para promocionar el western swing, pues, dado que las
letras de las canciones interpretadas por las orquestas de western
swing eran básicamente optimistas, estos cortometrajes ejercían
un efecto de euforia en el público. De modo similar, la animada
música instrumental producía sensaciones agradables
a las multitudes que iban a escucharla y a bailar.
En los años treinta y cuarenta, la música de las big
bands era lo que privaba. A finales de los cuarenta, muchos de los
grupos que interpretaban western swing habían vuelto a l
formato de grupos de cuerda. La animación del wester swing
prevaleció en toda su historia, así como su optimismo
básico. Era una música adecuada para todas las estaciones.
Aunque el western swing tiene muchas características peculiares,
la más evidente es la de su ritmo diferente. Su sonido es
parecido al jazz, porque utiliza una sección rítmica
de jazz normal, por lo menos en las grabaciones efectuadas entre
1935 y mediados de los años cuarenta. Al contrario de otras
formas de música country de la época, el western swing
utilizaba piano, contrabajo, guitarras y batería. El uso
de esta última era bastante innovador. Después de
los años cincuenta, un juego de batería formaría
parte del rockabilly y otros estilos country, pero en los treinta
era por completo insólito usarla en una grabación
de música country. Había melodías de western
swing que no utilizaban toda una sección rítmica,
y la base rítmica seguía siendo el sonido de cuerda.
Pero cuando estos grupos estaban integrados por diecisiete y veinticuatro
miembros, y funcionaban como grandes orquestas, utilizaban toda
una sección rítmica.
Otros de los factores principales del western swing fue la incorporación
de instrumentos tradicionales de las big bands, con arreglos completos
para orquesta. Durante la era de las big band, Bob Wills organizó
una orquesta de diecisiete miembros que usaban una instrumentación
tradicional de gran orquesta, una sección rítmica
completa, más la steel guitar. Wills tocaba el violín,
y con frecuencia también participaba otro violinista. Esto
producía un sonido híbrido que atraía a los
públicos de las big bands, pero también a los seguidores
de las canciones del oeste. A fines de los años cuarenta,
Spade Colley tuvo hasta veinticuatro músicos en su orquesta,
y cada vez que actuaba, con una asistencia de hasta seis mil personas,
se agotaban las localidades. La música que tocaban estos
grandes conjuntos estaba escrita en su totalidad, por lo que tenía
una estructura definida. Aún había improvisación,
pero, como en la música tradicional de la big band, estaba
controlada por arreglos escritos, y a un determinado músico
se le permitía improvisar en un momento concreto de la música.
Pero la cualidad más importante del western swing radicaba
en el atractivo de su naturaleza híbrida. Tuvo una organización
perfecta y demostró su calidad gracias al gran número
de músicos y al estilo que desarrolló. Era muy predecible,
y el público podía contar con que escucharía
unos arreglos específicos que siempre se efectuaban de la
misma manera. Además, tenía una cualidad de música
folklórica que le proporcionaba la naturaleza de las canciones
del oeste que componían el repertorio. El violín se
tocaba con rapidez, y abundaban los vocalistas. El western swing
contenía tantos elementos, que lograba satisfacer a todo
el mundo. Aunque podía adoptar una calidad formal, era música
folklórica en el sentido de que la gente corriente podía
identificarse fácilmente con ella, mientras que otras formas
de música podrían hacer que algunas personas se sintiesen
fuera de lugar.
Pero lo curioso es que el western swing ejerció gran influencia
en otros estilos. Bill Haley, conocido principalmente como músico
de rock and roll, fue primero un músico country, y reconoció
sus influencias del western swing como la reconocieron los artistas
de jazz de la Costa Oeste. Incluso algunos compositores de música
clásica incorporaron piezas de western swing, y músicos
country, como Merle Haggard, atribuyeron al western swing el haberles
convencido de que debían tomar en serio la música
country. Si los cowboys cantores popularizaron y elevaron la respetabilidad
de la música country, los músicos de western swing
la hicieron totalmente creíble.
Bob Wills
James Robert Wills (1905 - 1975) nació cerca de Kosse, Texas,
y creció en medio del ambiente musical, pues su padre era
un gran violinista popular al viejo estilo; por tanto, era de esperar
que su hijo mayor siguiera sus huellas. Esto no sucedió al
principio, pero Bob empezó a tocar el violín cuando
se trasladó al oeste de Texas. Tocó por primera vez
en público cuando tenía diez años, aunque casi
siempre acompañando a su padre a la mandolina. La clase de
música que interpretaban era principalmente ranchera, con
muchas piezas de rodeo, aunque tenían también una
clara influencia Tex-Mex. De hecho, sus dos primeras composiciones,
"San Antonio Rose" y "Spanish Two Step", de
1927, ilustran cómo le influyó la música folklórica
mexicana.
Charles R. Townsend, autor de un libro titulado "San Antonio
Rose: The Life and Music of Bob Wills", obra muy detallada
sobre la música country, considera que la música negra
fue la única influencia importante en el ritmo western swing
de Wills. Este había trabajado en los campos de algodón
con los hijos de peones negros, y esta estrecha relación
le proporcionó un conocimiento profundo de la música
negra, en particular de los ritmos propios de esa música.
Más adelante, Wills atribuyó a esas experiencias tempranas
su increíble capacidad para mantener el swing en su música.
Otros músicos que tocaron con él reconocieron ese
don especial. La afirmación de que el western swing era un
híbrido de la canción del oeste, el dixieland de Nueva
Orleans y el blues es indudablemente exacto, por lo menos en el
caso de Bob Wills.
Willls, con el tiempo, grabó muchas canciones de los músico
negros, y su estilo de tocar el violín se asemejó
mucho a los blues, pero también utilizaba la síncopa
(acentos irregulares) y un ritmo pronunciado, y cuando formó
su grupo claramente se notaba esa influencia rítmica.
En el verano de 1929 formó la Wills Fiddle Band, en donde
él tocaba el violín, y Herman Arnspiger la guitarra.
En 1930, cuando vivía en Fort Worth, incorporó tres
músicos y consiguió trabajo en varias emisoras de
radio. En enero de 1931, su grupo inició un programa en el
que anunciaban la harina Light Crust, y cambiaron su nombre por
el de Light Crust Doughboys. En la historia de la música
country era la primera vez que se hacía algo asi. Esto resultó
un trampolín para el éxito de Bob Wills. En 1932,
el grupo efectuó una grabación para Victor: "Nancy
Jane" y "Sunbonnet Sue".
En 1932, el dueño de la empresa que fabricaba harina Light
Crust exigió al grupo que dejaran de bailar, lo cual ocasionó
un grave enfrentamiento. El cantante, Milton Brown, abandonó
el grupo para formar uno propio: Milton Brown and His Musical Brownies.
En agosto de 1933 despidieron a Wills del gupo, quien formó
el suyo y al que bautizó como Bob Wills and His Playboys,
que al final se convertiría en los Texas Playboys. En 1934
se trasladaron a Tulsa, Oklahoma, para trabajar en la emisora de
radio KVOO, donde anunciaron la harina Play Boy producida por el
General Mills. Bob Wills y su hermano Johnnie Lee permanecieron
en el programa durante veinticuatro años.
El grupo Playboy original contaba con seis músicos. Hacia
1935, cuando efectuaron su primera grabación, el número
ya era de trece: una sección completa, un grupo de cuerda,
trompetas y saxo/clarinete. Este grupo iría en aumento hasta
contar con los diecisiete músicos a que nos hemos referido
antes. Bob Wills alcanzó su mayor prosperidad entre 1935
y mediados los años cincuenta, sin embargo, su grupo Playboy,
que actuó entre 1935 y 1941, fue lo más interesante
de su creación. Les contrataban como la orquesta más
versátil porque podía tocar la típica música
de grupos de cuerda, la de gran orquesta y dixieland, y su capacidad
de improvisación era insuperable. Su espectáculo estaba
muy bien organizado y resultaba muy vistoso. Cuando en 1940 rehicieron
"San Antonio Rose" como pieza para gran orquesta, se vieron
catapultados a la fama en todo el país. Un redactor de Metronome
que visitó Tulsa describió a los miembros del grupo
como pertenecientes a los mejores intérpretes de jazz. En
una palabra, los Wills TExas Playboys eran un portento.
El grupo se deshizo durante la segunda guerra mundial. Bob Wills
sirvió en el ejército durante un breve período,
y después de la guerra reunió un nuevo grupo, con
más características de grupo d cuerda, y siguió
cosechando éxitos. No dejó de tocar hasta 1969, en
que sufrió un ataque de apoplejía. En 1971, Merle
Haggard grabó un álbum de homenaje con algunos antiguoa
miembros del grupo de Wills, lo cual hizo que se reavivara el interés
por su música. Cuando se recuperó de la apoplejía
recibió innumerables galardones y homenajes por parte del
público y de sus colegas músicos. En diciembre de
1973 viajó a Dallas para grabar con los Texas Playboys, con
Merle Haggard ente ellos. La noche siguiente al primer día
de grabación sufrió un ataque mientras dormía
y permaneció diecisiete meses en coma. Falleció el
13 de mayo de 1975.
A Bob Wills se le recordará como innovador y artista de variedades.
Siempre reconoció que su música era para bailar, y
se sentía obligado hacia el público para el que actuaba.
No obstante, su música era compleja y se distinguía
de los demás estilos musicales de la época, debido
a la peculiar serie de influencias que recibió y a su fuerza
y determinación para conseguir lo que quería.
Hank Thompson
Henry "Hank" Thompson nació en Waco, Texas, en
1925, por tanto, pertenecía a la generación posterior
a la de BoB Wills. Muy pronto recibió la influencia del western
swing, y a fines de los años cuarenta pasó a un estilo
más Honky - Tonk. Su grupo, los Brazos Valley Boys, que tuvo
una popularidad enorme en la música country, ha sido reconocido
específicamente como un representante del estilo western.
Su sonido es un híbrido interesante del western swing, música
Tex - Mex y desde mediados de los años cincuenta country
rock. Los Brazos Valley Boys llevaron su música por todo
el mundo.
Hank Thompson se inició en la radio cuando todavía
cursaba la enseñanza media, y volvió a actuar tras
haber servido en la armada durante la segunda guerra mundial. Grabó
su primer disco en 1946, y desde entonces sus grabaciones han tenido
éxito. Consiguió hacerse rico escribiendo sus propias
melodías, que interpretaban otros cantantes.
La relación de la música de Thompson con el western
swing es a veces muy tenue, pero siempre está presente. Hank
Thompson nunca tuvo un grupo musical grande, pero la influencia
del western swing aparece en su estilo interpretativo, ya que su
sonido, evidentemente tejano con influencia mexicana, es característico
del western swing. Sin embargo, la característica de este
estilo que más influyó en su música es el gran
sentido del ritmo, que eventualmente se caracterizaría como
Honky - Tonk, aunque Hank Thompson recibió la influencia
de otros tejanos antes de que este término se utilizara para
describir características musicales.
Spade Cooley
Donnell C. Cooley (1910 - 1969) nació en el seno de una
familia de violinistas en Grand, Oklahoma. Al contrario que los
demás músicos mencionados en este capítulo,
"Spade" Cooley (llamado así por un juego de naipes)
no recibió en su juventud demasiada influencia del mundo
de los cowboys, pero parece ser que eligió esa clase de vida
por razones profesionales. A principios de los años treinta
se trasladó a Hollywood y llegó a actuar como extra
en películas del oeste. Su carrera musical se desarrolló
al sur de California.
Su primera formación de éxito no empezó a actuar
hasta 1942. Organizó el grupo de western swing más
amplio de todos los tiempos, que en ocasiones llegó a contar
con veinticuatro miembros. A principios de los cuarenta, Cooley
actuó en la radio, luego alquiló un salón de
baile en Santa Mónica y en 1948 inició un espectáculo
televisivo. Era un líder carismático muy fotogénico,
tanto en televisión como en el cine. Sus seguidores se conmocionaron
en 1961 cuando fue condenado por haber matado a su esposa. Permaneció
en prisión desde 1961 a 1969, y poco después de que
le dejaran en libertad condicional, sufrió un ataque al corazón
mientras intervenía con un nuevo grupo en un espectáculo
benéfico.
Los miembros del grupo de Spade Cooley fueron los Mantovani del
western swing. Solía utilizar una orquesta completa, con
una sección de cuerda y una sección rítmica,
además de instrumentos de cuerda adicionales. Toda su sección
de violines tocaba en estilo pop en vez del clásico country,
con acordes sostenidos y bellas melodías. Con bastante frecuencia,
el grupo no tocaba como una formación típicamente
western, sino más bien como una orquesta de baile ampliada.
Pero, en conjunto, el grupo tocaba una mezcla de jazz (western swing),
country western, música vaquera y como orquesta de baile.
Spade Cooley era un cantante muy popular en el sur de California
y, con el tiempo, también lo fue en otros lugares de Estados
Unidos, pero quizá su música era más un fenómeno
urbano que rural.
Spade Cooley fue un músico de western swing, sobre todo cuando
tocaba el violín.
Conclusiones
El western swing era algo más que una simple técnica
para la instrumentación musical; era una actitud que unía
la música de baile y de variedades con un ritmo animado y
optimista. Era muy versátil, ya que incorporaba canciones
del oeste con un fuerte sección rítmica, a veces en
conjuntos de cuerda y otras en grandes orquestas. El sonido de Spade
Cooley fue el más complejo de la música western swing
que hemos analizado en este capítulo, y su éxito fenomenal
es ilustrativo de las cualidades de aquel sonido como modelo.
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